Le cycle Beethoven du National Symphony Orchestra garde le meilleur pour la fin

Ce fut une soirée aux proportions épiques samedi soir au Kennedy Center, alors que l'Orchestre symphonique national a joué les dernières mesures triomphales de la Symphonie n° 9 en ré mineur de Beethoven - à la réception la plus rugissante que j'aie jamais entendue dans la salle.

Ce faisant, le maestro Gianandrea Noseda a également clôturé le dernier chapitre de l'ambitieuse célébration d'un an et demi de l'ONS de "Beethoven & American Masters", un festival qui a réinventé ce qui aurait pu être un cycle Beethoven banal avec des des œuvres symphoniques de William Grant Still et une étude des cinq sinfonias trompeusement titanesques de George Walker.

Un effet secondaire inattendu (et, je l'espère, durable) de cette combinaison de compositeurs est le nouvel éclat que cette expérience a donné à l'ONS - un orchestre dont l'approche du travail contemporain se sent de moins en moins lourde d'obligations. Surtout avec sa série de récits scintillants de Walker, c'est un orchestre qui a fait ses preuves - pour incliner une phrase sous un autre angle - ouvert à l'interprétation. Une grande partie de l'excitation de samedi soir était naturellement réservée à la grande finale de cette grande finale. Mais l'investissement de l'orchestre dans le travail de Walker et Still mérite ses propres applaudissements. C'est le genre de programmation qui aide à refaire cet orchestre sous nos oreilles.

L'ouverture de 1801 de Beethoven aux "Créatures de Prométhée" a ouvert le programme. Une collation de cinq minutes commandée par le Théâtre Impérial pour introduire le livret de Salvatore Viganò, c'était une ouverture aux ouvertures pour Ludwig, 30 ans. Avec des sensibilités proches de la Première Symphonie de Beethoven d'à peu près la même époque (et la même tonalité d'ut majeur), il a fait un serre-livre conceptuel léger et vivant à la Neuvième, qui se profilait à l'horizon de la soirée. Il semblait également destiné à démontrer que la carrière musicale de Beethoven peut être suivie comme un fil d'Ariane vers l'omnibus sauvage de la Neuvième. C'était une prise callisthénique avec une énergie ardente hors de la porte, de belles plumes mélodiques de flûte et de hautbois, et une résolution de bascule inattendue qui a poussé Noseda à tirer des moulins à vent Townshend-esque pour provoquer des poussées dynamiques des cordes.

Une bonne partie de mon plaisir à entendre les cinq sinfonias de Walker au cours de l'année écoulée est venue d'entendre les gens y réagir par la suite – des commentaires généralement passés clandestinement des rangées dans le hall par politesse et par présomption erronée de confidentialité. L'essentiel du bavardage est que les sinfonias ne sont pas là pour se faire des amis. Ils ne disposent pas de tapis de bienvenue. Vous ne vous retrouverez pas à les fredonner pendant le repassage.

Tout cela est assez juste : ils ne le sont pas, ils ne le font pas et vous ne le ferez pas. Mais je soupçonne que l'inconfort tiré par tant de personnes de leur expérience de ces miniatures cataclysmiques est davantage un facteur de leur capture haute définition de l'anxiété contemporaine. L'année dernière, j'ai parcouru "Strands", la quatrième sinfonia de Walker (créée en 2012), une œuvre dont le titre semble faire référence à sa propre déchirure des fils spirituels. Mais ça ne m'a pas fait saisir l'accoudoir parce que c'est moche, ou désagréable, ou - comment dire ? — faux.

On pourrait facilement entendre la musique de Walker comme un reflet criard du monde que nous choisissons de laisser derrière nous en entrant dans la salle de concert, mais à mes oreilles, sa beauté vient de sa précarité.

Créé en 2004 et arrangé en trois mouvements, le n° 3 est un modèle d'élan, une ruée vers l'avant implacable qui s'écrase sur son propre parcours d'obstacles. Samedi, le souffle des cuivres et des cordes tendues qui ont mis son univers en mouvement s'est enregistré comme un bang sonique, et s'est à peine calmé. C'est un travail de peu de répit et de peu de cachettes ; les pauses dans l'action sont rapidement ouvertes. Même le doux affleurement des bois qui ouvre le deuxième mouvement est déraciné dans un tsunami sonore souvent terrifiant. Quelle chance le public a-t-il?

Noseda dominait particulièrement le barattage mécaniste des trombones, des cloches martelées et des tambours grondants du troisième mouvement. Des cordes incertaines traversaient le vacarme comme des rayons de lumière alors que la section des cuivres semblait montrer les dents. Parfois, il était difficile de discerner si nous construisions vers un point culminant ou un effondrement, la démolition contrôlée de sa finition tombant dans un silence troublant.

Une grande partie de l'écoute de la Neuvième consiste à voir la Neuvième, le spectacle qu'elle assemble juste pour exister. Samedi, la scène de la salle de concert a accueilli 65 musiciens, 142 membres du Washington Chorus (dirigé par le directeur artistique Eugene Rogers), quatre solistes et un Noseda extrêmement occupé, qui a dirigé ses 62 minutes environ avec une affection et une affinité qu'il a été codage dans ses cellules depuis sa première représentation en 1995. Dans ses remarques d'ouverture, Noseda a rappelé que le chef d'orchestre italien Carlo Maria Giulini lui avait conseillé avant cette première représentation: La Neuvième "ne peut être touchée qu'avec des mains pures et propres".

Noseda était impeccable. L'un des points forts du traitement de Beethoven par le maestro tout au long de ce festival a été sa restauration détaillée de l'humanité du compositeur - une facette de Ludwig souvent perdue dans la tradition surchargée du génie. En tant que compositeur, en tant qu'homme, en tant que corps sur terre, Beethoven n'a peut-être jamais été plus humain que lorsqu'il a composé la Neuvième, entre 1822 et 1824, et tout au long du récit de samedi, Noseda a veillé à ce que l'orchestre ne joue pas ce monument comme un monolithe - non pas tant en prenant des ordres de la musique qu'en respirant.

Dès le chatoiement d'ouverture des quintes, toute la section des cordes a semblé renforcée samedi. (Parfois, il est payant d'attraper le troisième tour d'un programme.) Entre des mains moins sensibles, ce premier mouvement substantiel ("Allegro ma non troppo, un poco maestoso") peut avoir du mal à rester cohérent, sa vaste étendue masquant ses pics et ses creux. . Les conseils de Noseda reposent sur une dynamique soigneusement gérée et des accents d'orientation, et il a magistralement cartographié le mouvement sans l'aplatir. Les cors et les bois étaient particulièrement éblouissants tout au long du récapitulatif.

Le deuxième mouvement construit à partir de sa boule de neige fuguée d'ouverture à une réjouissance tourbillonnante, proprement "Molto vivace". Ce n'est qu'occasionnellement que l'équilibre de ce mouvement richement texturé a faibli : les impulsions rythmiques des cuivres qui ont si efficacement soutenu les passages du premier mouvement se sont senties trop présentes ici. Mais c'est moi qui cherche juste des trucs; c'était une prise captivante revigorée par l'énergie du samedi soir parmi les joueurs. Le hautbois solo Nicholas Stovall, la clarinette solo Lin Ma et la basson solo Sue Heineman ont tous fait de brillantes prestations dans ce trio pas tout à fait scherzo.

Les cors, dirigés par Abel Pereira, étaient d'une forme exquise, le quatrième cor Scott Fearing offrant des solos soyeux à travers le troisième mouvement ("Adagio molto e cantabile"), particulièrement séduisant avec la flûte principale Aaron Goldman. Et ses fanfares de cuivres finales étaient énergisantes et magnifiquement maîtrisées, annonciatrices du colosse à venir.

Et les finales ne deviennent pas beaucoup plus grandioses que cela. J'attendais d'entendre le Washington Chorus aborder le neuvième depuis que le mot a fait surface pour la première fois sur cette série, et cela n'a pas déçu. Le chœur était merveilleusement équilibré : des basses riches et robustes étayaient l'éclat cristallin des sopranos. Ce n'est pas un mince exploit quand tout est monté à l'équivalent du 19e siècle de 11. Les quatre solistes - la soprano Camilla Tilling, la mezzo Kelley O'Connor, le ténor Issachah Savage et le baryton-basse Ryan McKinny - ont tous donné de belles performances mais étaient impuissants face à la disparition. ici et là dans le mur du son choral. Savage a eu la meilleure nuit des quatre, une présence magnifique avec une voix faite pour la joie à grande échelle.

Juste avant la fin de l'entracte, une femme sage et amicale dans la rangée derrière moi avec qui je discutais a fait remarquer que, pour chaque représentation de la Neuvième, c'est la première de quelqu'un. J'ai offert un petit "Hm", pensant que sa pensée était terminée, mais ce n'était pas le cas. Parce que chaque représentation de la Neuvième, a-t-elle ajouté, est aussi la dernière de quelqu'un. Cela a ouvert une porte différente lorsque la symphonie a commencé, et quand elle s'est terminée et que la salle a éclaté en applaudissements, je me suis retourné pour sourire et je l'ai trouvée en larmes. Quel cadeau, de toute façon.